Bob Mould – “Hey Mr. Grey”

Hey, Mr. ¿Dylan?

Caramba, no hay pierde con Bob Mould. Directo, guitarrero, intenso, todo lo que esperas en una buena canción de rock con punche lo tiene “Hey Mr. Grey”, y en apenas dos minutos clavados. Esta nueva canción (que en realidad, sirve como adelanto pero no es el single oficial) se incluirá en Beauty & Ruin, su disco para este 2014 a editarse en junio. Pero desde ya estoy dándole al headbanging con cada play. Te va a provocar hacer lo mismo, ya verás.

P.D.: ¿Qué onda con Dylan en la portada, Bob?

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The Shoe – “Dead Rabbit Hopes”

Jena Malone

El video de “Dead Rabbit Hopes” no es tanto sobre conejos muertos sino más bien, me parece entender, una exploración sobre la belleza del cuerpo humano (y específicamente, el femenino). Y se aprecia mejor cuando la belleza a explorar es la del cuerpo de Jenna Malone. Así que aquí abajo puedes ver el clip de la canción que sirve como presentación del disco I’m Okay, de The Shoe, dúo que la actriz y cantante ha formado junto a Lem Jay Ignacio. De nada sirve que diga que es NSFW, ¿no?

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Kim Deal con Morgan Nagler – “The Root”

Kim Deal

Pensados como una serie de lanzamientos de singles 7″, Kim Deal, la extrañada ex bajista de Pixies (que así vengan por primera vez a Lima no quita que sus nuevos temas nos hagan arrugar la nariz), une fuerzas con Morgan Nadler, cantante de la banda Whispertown, para presentar el cuarto lanzamiento ya en este formato, “The Root”, y cuyo lo puedes chequear aquí abajo:

El primero de estos sencillos fue lanzado en abril del año pasado (cuando aún era parte del cuarteto de Boston), y este cuarto single será su primera producción programada para este año, el 1 de abril siendo precisos. Aquí la lista de singles publicados:

1. Walking With A Killer
2. Dirty Hessians

3. Hot Shot
4. Likkle More

5. Are You Mine?
6. Wish I Was

7. The Root
8. Range On Castle

Y, por supuesto, también puedes chequear el video de “Are You Mine?” a continuación:

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Manzarock pregunta: Moldes

Moldes 3

Se trata de que crezca la banda, que crezca el sello, y eso se retroalimente y todo crezca como un hongo. A estas alturas no podemos estar suponiendo, esperando… Somos obreros musicales, no somos rockstars.

Esta semana resultó movidita para Moldes. No solo porque hoy viernes presentan en vivo su segundo disco Aguas de Marte (A Tutiplén Records), sino también porque a principio de semana fueron invitados para una presentación en los estudios de Playlizt. Ahí me acerqué para encontrarlos y hablar sobre esta nueva producción. Luego de una acalorada coordinación interna, partimos hacia un huarique para nuestra cháchara, en la que estrañamos a Ernesto “El Mono” Velarde, quien no pudo acompañarnos. Luego de un par de chelas (había que chambear al día siguiente), unas cuantas chapas por ahí (“El romántico del noise” queda, ah), y someterse al excesivo alto volumen de una radio rockanpop, esto fue lo que resultó de esa divertida conversación.

[Suena "My Heart Will Go On"]
M: No alcancé a apreciar esta presentación para Playlizt, pero desde afuera se escuchaba ruidoso y potente. Precisamente, Moldes es un grupo que no ha parado de tocar en vivo, incluso antes de sacar su primer disco.
Katia de la Cruz: De hecho, ha tenido varios huecos. Es cierto que hemos tocamos desde que salimos en el 2007, pero cuando comenzamos a tocar no éramos una banda que tenía o que por lo menos todos los integrantes tuvieran demasiada experiencia en vivo; Martita y yo, básicamente, no habíamos tocado antes, pero Chicho y Efrén sí. Fue un aprendizaje súper intenso y un poco largo también, el hecho de asentarnos en nuestro propio sonido en vivo, más allá de afrontar esta cuestión de performance y tal, de realmente enteder lo que queríamos hacer. Luego viene esta segunda etapa que es con El Mono, que de hecho cambia bastante la intensión sonora de la banda. El Mono tiene otro sonido, es mucho más cuadrado y más intenso y más duro, porque viene de la escuela del punk. Le da otra tonalidad a la banda, pero ha sido para bien, ha sido positivo, nos ha permitido liberarnos un poco más con respecto al noise y ese tipo de cosas. Se encuentra bien en el bajo, en la parte rítmica.

M: Entre ambos discos hay una notoria diferencia, en la propuesta y la intención sonora. ¿Sienten que ese cambio se hubiera dado sin un cambio de integrante?
Katia: Yo creo que naturalmente tuvo que pasar así.
Efrén Castillo: Sí. El cambio ya viene de antes. Este disco lo empezamos a componer, en realidad, con Marta [Postigo] todavía en la batería. La grabación de la base del disco se precipitó porque ella tuvo que irse de viaje, se fue a vivir a Argentina un tiempo. Ella dejó grabada las bases, las baterías, y si al final El Mono trabajó de nuevo sobre estas bases fue porque el registro, la captura del sonido, no había sido óptima. Por una cuestión de mezcla se tuvo que trabajar de nuevo. En general, la evolución y el cambio creativo en cuanto a la batería ha sido más tangible en las actuaciones en vivo que en el disco, que creativamente ha sido trabajado también por Marta y ya habíamos empezado a tener una dinámica diferente en la banda. Al principio, en el primer disco compusimos las canciones entre Katia y yo básicamente, y la batería y el bajo sumaron después la base rítmica para completar el tema. En cambio, este disco ha sido compuesto entre los cuatro, ha habido más aporte de Chicho [Giancarlo Rebagliati] y Marta. Y ahora con Mono también continúa eso, ¿no?

Moldes @ Colombia
(@ Latino POWER Chapinero)

M: Por lo visto y leído, su viaje a Colombia tuvo bastante repercusión, e incluso aceptación. Las reseñas han sido bastante entusiastas.
[Suena "I Just Called To Say I Love You]
K: Después de regresar, personalmente me he sentido súper halagada. Me di cuenta que lo que nosotros descubrimos allá musicalmente fue mucho más interesante y gigante de lo que esperábamos, por lo menos yo. No esperaba encontrar esa gama de musicalidad. Ya habíamos ido antes, pero de hecho cada vez que regresas a un lugar, o cada vez que regresas a alguna cosa, a un libro o a cualquier otra…
E: Fue mucho más planificado también.
K: Fue mucho más tiempo.
E: Fue el doble de tiempo, conocimos muchísimo más, tuvimos mucho más cercanía e intercambio con músicos, con gente que hacía producción…
K: ¡Con músicos!
E: Con músicos sobre todo.
K: Eso fue súper chévere.
E: Fue súper inspirador en realidad, la actitud… El rol que tiene la música en la sociedad en general para la gente de allá, algo súper fuerte, algo que falta acá un poco. Y bueno, los músicos, la actitud que tienen, el nivel…
Chicho: Es como que acá tú hablas de música y te dicen “ah, sí, chévere…”; allá dices música y te dicen (levanta las manos y cambia su cara) “¡Puta, sí, huevón, qué paja!”, es como que les sale otro nivel de persona. Todo el mundo se entrega a la música y la suda.

M: No sé si es lo mismo allá, pero generalmente cuando piensas en rock a nivel latino, no piensas en Colombia. Imagino que desde allá la sorpresa debe ser similar.
K: Sí, claro. Fue súper sorpresivo encontrarnos con toda la gama experimental dentro del rock, hay como que una cosa así súper grande y aceptada… bueno, “aceptada” dentro del circuito independiente. Solamente en nuestra experiencia de haber tocado 5 veces ahí, con cada banda que tocamos cada noche fue una cuestión absolutamente diferente.
E: Estilísticamente.
K: Claro, y ninguna banda fue mejor que la otra, todas fueron increíbles, y dentro de su género. Y lo más chévere era que dentro de su género, todas estas bandas que eran distintas entre sí, tenían como una…
Ch: Una inquietud.
K: Y un sonido bogotano. Todas tenían una identidad, y la identidad no significa “fusión” ni coger elementos…

M: Para decorar.
K: No, se sentía bogotano. Hace muchos años cuando conocí a Efrén, era algo bien importante para nosotros en la música era que se sintiera la esencia de tu ciudad. No de tu país ni de reivindicación, sino ya, yo he nacido acá, y es chévere sentir que suenas al lugar de donde vienes.
E: Había una movida rockera pero de alguna manera no está tan internacionalizado. Hay un público dentro del país. Hay festivales, este Rock al Parque, que nos enteramos que tiene un montón de variantes, que va desde Colombia al Parque, que es música tradicional…
Ch: Ópera al Parque.
K: Jazz al Parque, que incluye a todas las bandas de música experimental. A mí me pareció súper iteresante la movida de música experimental que hay alrededor de un lugar que se llama Matik-Matik, que era gente muy especializada en el jazz pero con una sensibilidad contemporánea que asimilaba igual cosas del folklore, del punk… Una mentalidad bastante abierta, no separada entre lo académico, lo culto y lo popular, una fluidez en esto… Es gente joven haciendo cosas con un feeling totalmente actual.

[Suena "Me Elevé"]
M: Hablando de géneros y volviendo a ustedes, a su sonido, cuando he leído reseñas de Aguas de Marte, suelen mencionar bastante la palabra “experimental”. No sé si es una forma elegante de decir “está bacán, aunque no lo entiendo mucho, pero bueno, pues…” [Katia ríe]. ¿Sienten que ese adjetivo les hace justicia o expresa ese sonido como es o como quieren que sea?
E: Ya…
K: Ala… [ríe].
Ch: Es más una actitud en el oyente, porque en cuanto a lo que nosotros hacemos… ¿Qué es la experimentación? Es lo que haces tú en tu casa con tus equipos, tus aparatos.Cuando ya sales en vivo debes tener algo preparado, no vas a ver qué sale. Sí hay algo de preparación, en ese sentido no es rigurosamente experimental, que estén sucediendo cosas. Pero sí en comparación con los sonidos de otros géneros que son más “géneros”. Es una música un poco más trans-género, más que una intención de imitar una banda, una estética, o una escuela. En ese sentido sí hay una amalgama de los sonidos que quizás la gente no está acostumbrada a escuchar y por eso esa etiqueta ayudaría a que la gente tenga una actitud de… aproximación.
K: Yo pienso que lo “experimental” sí nos hace justicia desde el punto de vista en que yo entiendo la experimentación. Para mí es experimental el hecho de no tener la típica configuración de planos en la música: batería en tal lugar, voces en tal lugar, bajo en tal lugar, guitarras en tal lugar, no sé qué, bla bla bla.
Ch: Niveles, digamos.
K: Claro. Eso para mí ya lo hace distinto y tratar de jugar con ciertos parámetros, pero parámetros dentro de… los extremos de los parámetros, ir de un lado al otro, pero sin salirte muy al extremo sin tener nada, sin irte al pop sublime.
Ch: Es experimental en función del pop.
E: Pero el pop más visto como una posibilidad de explorar, de sacarle la vuelta a las referencias que tienes, de jugar con posibilidades. Pero no como una categoría o un estilo.
K: Experimental dentro de lo que nosotros vamos descubriendo y experimentando en nuestro sonido.
E: Pero como etiqueta no…
K: Dentro del pop experimentamos con noise, ya, ahí como etiqueta.
E: El pop siempre ha sido posibilidad para experimentar, en los 60′s ha sido un laboratorio de experimentación de sonidos, de arreglos. Igual no se trata de que queramos hacer vanguardia, porque todas estas cosas están durante mucho tiempo dando vueltas. Simplemente es una forma natural de componer considerando nuestras influencias.

[Suena "La Muralla Verde"]
M: El disco lo siento un poco más… denso, o en todo caso, menos inocente que, por ejemplo, una canción como “El Amante”, que es más pop, juguetón; en cambio este disco es más oscuro, más cargado.
K: Te voy a decir algo que Efrén odia que diga: Tenemos 30 ya [ríe].
E: ¿Yo? No es por eso, porque el disco lo venimos trabajando hace tiempo.
K: ¡2 años, huevón! [ríe].
Ch: El primer disco eran canciones… la palabra “canción” refiere a cantado, a voz. Hay temas estructurados por una letra, a eso se le agrega música. En este caso, hay más un trabajo de sonido, interacción de capas, a la que luego se le agrega la letra. De hecho, ha sido bastante más trabajada en estudio la combinación de elementos, entonces no es tanto una canción como ABABAB sino capas y cosas que suceden al mismo tiempo. Eso lo hace un poco más lúgubre.
K: E influenciado por nuestras vivencias, nuestras etapas de vida. Cuando compusimos el primer disco teníamos 5 años menos, 16, 17. Tipo de los 10 a los 16 hay una gran diferencia, y de los 20 a los 26 hay una gran diferencia también. Y ahora que tenemos 26 años todos… (ríe).
E: He estado pensando últimamente en las letras de las canciones. El primer disco puede hablar de este tipo de cosas de relaciones tortuosas, como “El Amante”, pero lo hace de una manera mucho más como un cómic.
K: Exacto, es un cómic

[Suena "Come As You Are"].
M: Y eso se refleja hasta en el video.
K: Claro, claro.
E: Y en este segundo disco creo que sí hay una aproximación a situaciones más oscuras del ser humano, incluso melancólicas.
Ch: Pero algunas, porque “oscuro” tiene esta connotación negativa.
E: Pero es parte del ser humano, porque en letras como “El Péndulo” habla cosas de…
K: Cuestionamientos un poco más resueltos, “El Péndulo” me parece que es bien peliculero; no caricaturesco, pero peliculero. “El Amante” era caricaturesco. “El Péndulo” es más denso por eso. Ya no es un dibujito, es una huevada que te puede calar si se entiende la letra, claro está.
E: La atmósfera toda afectada, también.
K: El theremin sintetizado.
E: Hay una emergencia igual en este disco, desde la voz del cantante de “11 y 11″ que es una especie de visión del fin del mundo, del apocalipsis, con unas imágenes psicodélicas que se podría usar desde la perspectiva de un niño.
K: Desde la perspectiva de un niño… que lee la Biblia… para kindergarden. Una wada así [ríe].
E: “Vinylchrist” también, hablaba de tu cristianismo frustrado. Tú me contaste [señala a Katia] que cuando eras una niña de 8 años que estabas buscando a Dios, no en el cristianismo sino en diferentes iglesias. Es más con una huevada que tiene que ver con una búsqueda general del ser humano.
K: Una búsqueda de cable a tierra de humano en penitencia. De esas básicas.
E: Creo que hay algo inocente igual en el disco, pero más oscuro.
K: Sí, porque todos somos bien lornas. ¿Sí o no? [Mira a Efrén]
E: [Hace una pausa] No, yo no. [ríen].
K: Tú eres el más lorna [ríe].

M: Han aprovechado las plataformas digitales para su difusión, para llegar a un público mucho más amplio. ¿Cómo se lo plantearon?
[Suena "Eternal Flame"]
K: El contrato con la disquera es “ya, vamos de tal forma, y va a salir en tal, tal y tal lugar”. Por nosotros, todo bien. Yo me he vuelto fanática de Spotify.
Ch: De hecho es parte de cualquier estrategia integral y consciente, ¿no? Si estás en un esquema da autoproducción, pucha, quizás no puedas alcanzar todos los medios, pero cuando ya tienes una estructura…
K: Claro, un soporte.
Ch: Es lo ideal.
E: También hay posibilidades de compra, ¿no? Nos pueden comprar canciones en iTunes, no sé… en Uruguay [ríe].
K: [Ríe] Acabamos de salir en una radio en Colombia súper escuchada, y en México también, y es como que, ya pues, si dices “estoy en iTunes, no hay forma que por lo menos 2 personas no te compren el disco. Mínimo, ¿manyas? [ríe]
E: Un pata en Estados Unidos me dijo que justo había comprado el disco.
K: Un pata [ríe].
E: Y fue increíble [ríe].
K: ¡Bien! ¡Vamo’ ahí, vamo’ ahí, vamos uno! [risas]
E: También nos han comprado en Phantom. El arte está bien bonito.
K: Nos dieron un número, que no podemos decir ahorita, de lo que se vendió en tiendas los primeros cuatro días, y es como que, broder, ¿en serio? Pero es también todo el rollo mediático que le hemos metido: fuimos a Colombia, regresamos, sacamos el disco, no sé qué, entrevistas, bla bla bla.

M: Imagino que si ustedes también se dedicaban a la distribución hubiese sido agotador.
Ch: Algo motivado por la especialización, no puedes hacer todo al mismo tiempo.
K: Por supuesto que sí, por supuesto que sí. Estar dentro de una plataforma con un nombre mediano que te represente, te abre muchas más puertas.
[Suena "Please, Forgive Me"]
E: De las plataformas se ha encargado el sello. De mover lo de Colombia, la presentación del disco, ha sido un trabajo conjunto.
K: No estamos en un país en que la industria está desarrollada como para decir “ya, me voy a dedicar a la música y voy a tocar y a grabar y tú me pagas todo lo que tenga que ver”. No se puede. Definitivamente tiene que haber un trabajo conjunto. Se trata de que crezca la banda, que crezca el sello, y eso se retroalimente y todo crezca como un hongo. A estas alturas no podemos estar suponiendo, esperando… No. Somos obreros musicales, no somos rockstars.

M: Y por eso toda esta preocupación, no sé si entre comillas o no, sobre el concierto de presentación. Escuché algo de su conversación.
K: [ríe] Te diste cuenta de la producción [risas]. ¡Pero es rico eso, es buenazo!
E: Tiene que ver con lo que nos preguntaste en un principio, acerca de la experiencia y la evolución del sonido en vivo. Siempre ha sido súper problemático porque, en general, los espacios, la producción, la preocupación por los horarios de la prueba de sonido, por los equipos, es algo que no siempre está en un nivel óptimo.

M: Una demanda de profesionalización al respecto.
E: Es necesario para que realmente tu propuesta llegue lo más cercano posible a lo que tú quieres.
K: Es mostrar tu trabajo tal cual tú quieres que lo vean.
Ch: Lo que pasa es que el entorno en el cual comenzamos tampoco era muy profesional.
E: Pero hay cierto afecto a una ética del underground en el cual, puta, tú eres punk rock, porque si no eres suficiente punk rock duro, eres algo así como un cabro [Katia explota de risa]. Y a mí me parece todo lo contrario. Pero en verdad es necesario para todo tipo de banda.
K: Hemos tocado en 5 lugares en Bogotá y muy pocas veces nos topábamos con mal sonido, realmente, a pesar que no teníamos con un sonidista para nosotros. Es tan básico como eso. Si tú vienes acá a Perú a tocar por dos semanas en 5 lugares, obviamente tu sonido va a ser paupérrimo, no esperes otra cosa. Puedes esperar un montón de gente chévere, con mucha actitud, muy borracha y que te quiere, pero más nada.
E: Hay que preocuparse por eso. Hay mucha intención de gente de hacer cosas, que las están haciendo, pero hay que preocuparse por hacerlas bien en ese nivel. Y por eso la preocupación de hace un rato, de discutir por los equipos y tal.
K: Es chévere que existan más bandas que se interesen en sonar mejor para el público. Dar un producto de calidad. Simplemente, quiero que me escucho como quiero sonar. Quiero eso y ya.
Ch: No puede ser que en vivo suene peor que el ensayo. Basta.
E: Ha sido duro el camino.
K: ¡Ha sido durísimo! Y ahora que es el nacimiento del segundo disco… o sea, ya nació; el bautizo, la presentación en sociedad, el quinceañero.

[Suena "Other Side"]
M: Van a bajar por una escalera
K: [Cantando el coro de "Quinceañera"] Ahooooooraa… [ríe]. Ya. Es nuestro segundo producto musical y tiene que sonar de puta madre.

Moldes Playlizt

(@ Playlizt)

M: ¿Viene un nuevo video?
K: [Katia hace un gesto de aprobación] “El Péndulo”.
E: Estamos trabajando un video de “El Péndulo” que fue el primer single. Y estamos trabajando también un videoclip para “Vinylchrist” con una gente de Colombia, unos amigos de allá. Y de ahí… varias propuestas más. Casi más propuestas que canciones [Ríe].
K: [Ríe] Nos faltan canciones para los videos, huevón.
Ch: Tenemos que empezar a componer rápido para poder seguir haciendo videos.
K: Pero chévere porque en nuestra primera etapa no fue así. En el primer disco, probablemente sí había propuestas pero concretarlas era un poco más como [con voz de desgano] “ah ya, bueno, hazlo tú, no, hazlo tú…”. Ahora es que como que ya está tan seria la huevada, si sale algo lo cogemos.
Ch: Es hasta intimidante ya…
K: Sí. “Oe’, ¿qué, quieres, quieres hacerlo? Ya, pues, vamos a hacerlo, vamos”.

M: Ya están pensando en un tercer disco.
K: Sí, hemos pensando en un tercer disco a raíz de nuestro aprendizaje en Colombia y conocer gente. Sí, está ahí, ideas que no vamos soltar ahorita [ríe], pero sí las estamos pensando.
E: Hay un proyecto de trabajar con un productor.
K: Un productor con el que grabamos allá. Grabamos dos temas con él y, tipo, nos quitamos a las tres de la mañana del estudio y de ahí nos fuimos al aeropuerto directamente para regresar a Perú.
Ch: Hicimos contacto con una chica que trabaja en producción que se llama Ana Cathe [Manosalva]. Ella nos conectó con una banda que era Salidos de la Cripta. El guitarrista tenía una sala de grabación y había también un chico allá; empezamos a conversar, a pasarle música. Eso también me parece significativo en cuanto a la valoración del trabajo, al punto de simplemente “¿Qué van a hacer el domingo?”, “bueno, nada”, “ya, grabemos”. Una cosa así, tomar las oportunidades de hacerlo. Fue muy bueno.
E: El productor era uno de los dueños del lugar, trabajamos con él la grabación de las canciones, hicimos un montón de tomas, y después de cada toma tenía una lista, más grande que el setlist, de sugerencias, pero todo en una onda bien compenetrada con lo que hacemos, y entendía el feeling de la banda.
K: Siempre habíamos trabajado con gente que nos proponía hacer una cosa u otra en nuestras canciones, pero él la tenía tan clara… Era como que “Ya, tocaron tal huevada, ya, tengo siete puntos, mira tú vas a hacer esto, tú esto, tú Katia, esto acá y esto acá, tú de repente debes bajar de este lugar, no sé qué, blablablá blablá”. Fue como que… ¡ya! vamos, hagámoslo tan cual él lo dice. Fue una experiencia que no habíamos tenido antes, fue tan marcada y tan intensa por nuestra producción. Siempre nosotros estábamos trabajando mucho en nuestro propio sonido y nuestras propias sonoridades, y nos contestábamos entre nosotros. Fue una cosa súper intensa y diferente que venga alguien de afuera con ojos nuevos, escuche una vez y te diga “ya, yo creo que ustedes tienen que hacer esto porque me parece que QUIEREN esto”.
Ch: Mucha sensibilidad y compromiso de su parte.
K: Sobre todo eso es importante, mucha sensibilidad de ese señor. Siento que acá sí ha habido grandes aportes, pero de repente no ha habido ese compromiso a este lado de sensibilidad artística.
Ch: Una persona con mucha cultura y mucha experiencia poniendo todos sus sentidos y toda su atención en sentir qué es lo que le trae. Es difícil conseguir a alguien así, porque en verdad no hay mucha gente que se dedico a eso, porque siempre es un poco como “está bien, voy a chambear contigo…”. Pero no hay esta buena disposición a ofrecer su chamba, ¿manyas?
E: A empujar la huevada.
Ch: A meter el hombro de arranque.

[Suena "Persiana Americana"]
M: ¿Qué puede esperar el público de la presentación de Aguas de Marte?
K: Mucha intensidad, creo. Y además, mucho feeling. Creo y quiero que la gente se porte muy bien ese día [ríe]. Quiero que se la recontra peguen si quieren, pero todo en conciencia.
E: Que no rompan el baño.
K: Yo dando consejos de moral [ríe]. Chicos, no rompan el water, no vayan al bar de Nico.
E: Está lejos de ahí.
K: Después no vayan… No, no, va a ser bravazo porque, además, es como que otra etapa de la escena. Han pasado muchos años, hace mucho tiempo que no estamos en ese mismo lugar. Y de pronto también va a estar Gomas, que es una banda súper joven; El Hombre Misterioso, que es una banda más vieja que nosotros [risas]; Liquidarlo Celuloide, que es contemporánea; pero todos estamos en la misma línea, todos somos súper distantes en cuestión de tiempos de creación de bandas pero estamos en la misma huevada ahorita, y qué chévere que podamos compartir escenario en ese lugar por el cual todos hemos pasado, simplemente no hay que malear tanto [risas].
E: Solo espero que no hayan jeringas tiradas por el piso.

M: No vayan descalzos.
K: Por lo menos tírenlas al tacho [risas].
.::.

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Metallica – “The Lord of Summer”

Metallica By Request

Iniciada la gira de By Request y con los setlist ya conocidos por todo el hemisferio (y del cual nosotros podemos henchir un poco el pecho), el cuarteto metalero, cumpliendo lo prometido, tocó en Colombia (país donde rompieron fuegos) el nuevo track que se sumará a los 17 clásicos que empilarán en cada país. Aquí está, esta es, “The Lord of Summer” de Metallica. ¿Qué tal?

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Dean Wareham – “Holding Pattern”

Dean Wareham

Galaxie 500, Luna, Dean & Britta… suficiente palmarés como para darle un play inmediato al mp3 que coloco a continuación. Dean Wareham nos sigue entregando música y solo queda disfrutarlo. Esta vez llega lo que vendría a ser su primer disco solista (que llevará su nombre, ¿no es obvio?) y como single presenta la canción “Holding Pattern”. ¿Que todavía no le has dado play? Caramba!

Sí, hay más: Este es el video de “The Dancer Dissapears”, dirigido por Meesoo Lee.

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Damon Albarn con De La Soul tocan “Feel Good Inc.”

Damon Soul

Una de las sorpresas del reciente SXSW ha sido la colaboración en vivo de Damon Albarn (y no ‘David’ -¿?- como sindica The Fader en su canal de YouTube) junto a sus patas De La Soul. Los raperos se unieron al cantante de Blur para interpretar juntos el tema “Feel Good Inc.” de Gorillaz, la -se supone- extinta travesura del buen Damon. Salió entretenido el asunto, más allá que el público haya resultado un poco… estático, por decir lo menos, y aquí está el video de esta presentación:

En realidad, esta presentación me resulta un toque más interesante (sin que yo sea fan de Gorillaz ni mucho menos) que lo último que ha sacado Albarn; esta vez, un nuevo video para seguir promocionando su disco solista Everyday Robots, de la canción “Lonely Press Play”. Si aún no lo has visto, aquí abajo sale:

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Liquidarlo Celuloide – “Píldora Espiral”

Liquidarlo en Celuloide

El 2014 poco a poco va soltando novedades sobre nuestra producción local en estos primeros 3 meses. Aquí otro botón: Grabado íntegramente en súper 8 por Juan Manuel Sosa, los chicos ruidistas de Liquidarlo Celuloide estrenan en cinta “Píldora Espiral”, canción bandera de lo que será su próxima producción Vértigo Magnético a editarse bajo el cobijo de Buh Records. Chéquealo a continuación:

Por siaca’, la banda ha puesto para streaming su disco inédito Rutas Insectívoras (2006), así que dale una escuchada aquí abajo:

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Future Islands – “A Dream Of You And Me”

El futuro está aquí

A solo 2 semanas del lanzamiento de su disco Singles, el trío Future Islands parece estar en boca de todos. No solo por lo bien que suenan las canciones que han usado para promocionar este nuevo álbum, sino también por la GRAN presentación que tuvieron en el Late Show de David Letterman. Con argumentos como esos, y aquí defendidos por el tema “A Dream Of You And Me”, no queda más que esperar que estas semanas pasen volando. Mira su nuevo video a continuación:

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The Shoe – “Paper Cup”

The Shoe

Valgan verdades, el único pretexto que tuve para acercarme a The Shoe fue (y es) Jena Malone. Una vez con la oreja parada (y sí, solo la oreja, palabrita), pues la actriz de Donnie Darko muestra su esplendorosa voz arropada de la instrumentación melodiosa de su compañero Jay Ignacio, y en junio de este año presentarán su disco I’m Okay (título mucho más optimista que Dead Rabbit Hopes). Así que si todo va bien, escucharemos mucho más de este dúo, y eso es bueno. Por lo pronto, su canción “Paper Cup” la puedes escuchar ya mismo.

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